Historia del Cine
Maestros del Cine Mudo Americano

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Entre los más importantes constructores del imperio comercial de Hollywood se encuentra Cecil B De Mille. Estudió arte dramático en Nueva York y actuó en Broadway. Su acercamiento al cine fue casual. Samuel Goldwyn propuso a su hermano, Willian De Mille, trabajar para él. Pero no estuvo interesado y designó a Cecil para sustituirle. Toda la fortuna de la productora fue confiada a De Mille para que realizara la adaptación de la pieza teatral The Squaw Man (1913), rodada en una granja de Hollywood convertida en estudio. Pero una vez terminada, no se podía proyectar debido a un fallo de perforación. El problema se solucionó y la película fue un éxito. Así comenzaría la afortunada carrera de De Mille.

Debido al espectacular cine italiano, De Mille comenzó a realizar sus largometrajes con una puesta en escena muy cuidada y trabajando con recreaciones históricas. La obra que cimentó la fama de De Mille y prestigió al cine norteamericano en Europa fue La marca del fuego (1915). A pesar de su simple argumento, su novedad radicaba en que por vez primera el cine trataba de desarrollar un drama en términos de conflicto psicológico. De Mille trataba el tema de los sentimientos y de las motivaciones internas. Aunque recurre al uso repetitivo de primeros planos de los rostros, demostró poseer una gran capacidad para emplear la iluminación artificial. Por primera vez se utilizan los efectos de iluminación angulada, siluetas, sombras inquietantes...

A partir de 1918 se dedica a las denominadas “comedias mundanas” o “comedias matrimoniales”, donde refleja los felices años 20 y una nueva moral sexual. Muchas de estas comedias fueron protagonizadas por Gloria Swanson. Fue un ciclo de películas que carecían de profundidad humana y artística. Destaca el Señorito Primavera (1918). Es un gran autor que se adapta a todo de tipo de géneros (aventuras, westerns, comedias...).

De Mille supo aprovecharse de los grandes presupuestos que comenzaron a invertirse en cine. Aprovechó la popularidad de la Biblia en la civilización anglosajona y lanza en 1923 Los diez mandamientos , cuyo éxito le permite servirse nuevo de las Sagradas Escrituras para elaborar Rey de Reyes (1927). En 1935 realizará las Cruzadas y en los años 50 una nueva adaptación de Los diez mandamientos .

THOMAS HARPER INCE

Thomas Harper Ince nació en el seno de una familia de actores y siguió la profesión de sus padres. Si Griffith fue el primero que dio sentido al lenguaje cinematográfico, T H Ince fue un gran productor que introduce las más modernas técnicas de producción. Realizó o supervisó centenares de películas, westers en su mayoría, y fue quien prestigió y difundió este género por todo el mundo. Ince comenzó a trabajar en el cine como figurante, hasta que en 1911 Laemmle le dio las primeras oportunidades para dirigir. Su primera realización importante fue Across the plains (1911), sobre la avalancha humana que en 1848 invadió California, a causa de la “fiebre del oro”.

La epopeya del western constituye la historia de un país sin historia, la gran epopeya blanca del siglo XIX y se hallaba demasiado próxima para que los pioneros del cine americano la dejasen escapar como tema cinematográfico. Edwin S Porter, Broncho Billy y Tom Mix habían creado los patrones fundamentales del género. Para competir con los dos últimos, Ince lanzó el personaje de Río Jim, encarnado por William Shakespeare Hart. Además de descubrir a William S Hart, Ince descubrió a otros actores como Frank Borzage (que no tardó en destacar como director) o Charles Ray. Por otra parte, Ince introdujo en el cine la naturaleza como decorado, los escenarios de California en todo su esplendor, y el vaquero fundiéndose en ellos en cabalgadas y persecuciones. El western nacía entonces como epopeya visual. El esplendor de este nuevo cine, con sus caravanas, persecuciones, tiroteos y ataques indios, se manifiesta sobre todo en los planos generales. Por lo demás, la temática se moverá en un círculo cerrado: el bueno, el villano, el sheriff, la chica, la prostituta de buen corazón, el juez, el rancho, la estampida, el salón, el duelo a tiros en la calle mayor...

Thomas H Ince, convertido en un auténtico productor, supervisaba o dirigía las películas que se rodaban en Inceville, una pequeña ciudad en la que creó grandes estudios cinematográficos. Su supervisión se ejercía estrechamente a través del control de un guión muy rígido. Mientras que Griffith rodaban prácticamente sin guión, improvisando sobre un argumento, Ince exigía a sus directores un respeto minucioso del guión previsto, incluso los planos que se utilizan y con unos presupuestos muy detallados, para que nada se salga de lo establecido. En muchas de sus películas se plantea el problema de que no se tiene claro quien las dirige, debido a su gran control sobre los realizadores. Dirigió películas como El huracán y la Cólera de los dioses , ambas de 1914, en las que hacía conducir la culminación dramática con una gran catástrofe.

El éxito de sus estudios Inceville, lleva a la creación de la compañía Triangle junto a Griffith y a Mack Sennet. Mientras explotaba la IGM en Europa, Ince puso su talento al servicio de la paz y el neutralismo, con una obra tan ingenua como ambiciosa: Civilización (1915), una película con grandes escenografías y otros elementos espectaculares, influenciada por las películas italianas.

MACK SENNETT

El cine cómico conoció su era de esplendor en los Estados unidos entre los años 1911 a 1930. El factor que estimuló el desarrollo de este género fue la demanda de los circuitos de exhibición. Y hablar de cine cómico americano es hablar del canadiense Michael Sinnot, popularizado con el seudónimo Mack Sennett, que trabajó hasta 1908 como actor y se formó como intérprete y ayudante de dirección a las ordenes de Griffith en la productora Biograph. En 1911 inició su carrera de realizador y en julio de 1912 fundó la productora Keystone. La primera comedia que realizó Sennett se tituló Cohen at Coney Island (1912) que obtuvo un éxito tan impresionante que la empresa comenzó a producir sin descanso y llegó a producir en un año 140 cortos, la mayor parte improvisados sin un guión previo.Mack Sennett también fue un gran descubridor de talentos como Charles Chaplin, Mbel Normand, Harold Lloyd Gloria Swanson, etc.

Además creó las regocijantes “comedias de tartas de crema”. Su cine se caracterizará por un mundo absurdo e ilógico con el único fin de hacer reír al espectador. Son películas muy subversivas, es decir, no reflejan un mundo estable o ideal, que llegaron a satisfacer a los autores surrealistas europeos. El mundo de Sennet muestra vertiginosas persecuciones, carreras sobre tejados, patadas al trasero, tartas de crema, dinamita, caídas desde alturas increíbles, orgías de destrucción, etc. Estas historias son escasas en argumento, con unos personajes que no tiene profundidad psicológica. Este tipo de humor fue denominado Slapstick, que a partir de 1915 entró en decadencia por el comienzo de la utilización del largometraje.

Sennet adquirió de su maestro Griffith la imprescindible soltura técnica y agilidad narrativa y formó con él, y con Thomas H Ince, el triángulo creador sobre el que se asienta la historia del cine norteamericano en la Triangle Production Corp.

BUSTER KEATON

Keaton se presenta como uno de los gigantes del cine cómico de todos los tiempos, conocido en España con el nombre de “el pamplinas”. Llegó al cine en 1917. Su rostro impasible le valió ser calificado como “el actor de la cara de palo”y “el hombre que nunca ríe”. Aunque Keaton permanece inmutable ante todas las desgracias a las que es sometido, la profundidad de sus ojos enorme desborda un gran expresividad.

En 1920 fue contratado por la Paramount comenzando así una de las más brillantes carreras cinematográficas de todos los tiempos. En esta compañía realizó películas como El espantapájaros y La mudanza , en la que fue definiendo a su personaje. A partir de 1923 comienza su etapa principal, en la que su personaje estaba completo. Creó la Búster Keaton Company donde dirigió 19 cortos en dos años. Durante esta etapa realiza obras maestras del gag como El navegante (1924), Las siete ocasiones (1925), El maquinista de la general (1927) y Cameraman (1928). Búster Keaton pasea impertérrito por estas películas, creando unos gags extraordinariamente elaborados y calculados. Keaton es un excelente creador de gags y un extraordinario y sensible poeta de la imagen. No se puede olvidar su película más carismática El maquinista de la General (1927), donde Keaton da muestras de su pasión por el tren, conquistador y revelador del espacio americano, instrumento privilegiado del juego que permite hacer malabarismos con los encuentros, las distancias, las demoras, la balística y la muerte.

ROBERT FLAHERTY

Autor norteamericano de origen irlandés, se convirtió en explorador y cazador en las regiones inhóspitas del norte de Canadá. Desde 1913 había cultivado el cine como simple aficionado, pero hasta 1920 no pudo contar con apoyo económico para lanzarse a la gran aventura documental.

Casi un año pasó Flaherty con su cámara entre los hielos de la bahía de Hudson para rodar Nanuk, el esquimal (1920-22), una película histórica en el ámbito documental. Su protagonista es Nanuk, un modesto esquimal con su esposa Nyla, sus hijos y sus perros. Su tema es el más simple que pueda darse: las vicisitudes de su vida cotidiana. Fue éxito tanto de público como de crítica. Este éxito se basa en su propósito de reconstruir la realidad utilizando actores naturales(los esquimales). Pero esta muestra de la realidad se convierte en drama veraz.

El enorme e inesperado éxito de este film, abrió los ojos de los industriales de Hollywood y la Paramount propuso a Flaherty el rodaje de un documental en los mares del Sur. Aceptado el encargo, Flaherty se embarcó para las Islas Samoa y rodó Moana (1923-25), interpretada por una joven pareja maorí. Moana carecía de la dureza dramática de Nanuk, el esquimal , y acentúa el lirismo de la imagen de tal forma que se habla de ella como un poema visual. A pesar de sus diferencias con su primer documental, el público la acogió muy bien y los productores comenzaron a interesarse por los films “exóticos”, protagonizados por salvajes y localizados en lugares no contaminados por la civilización blanca.

Un ejemplo de ello sería Sombras blancas en los mares del Sur (1927-28), rodada por W S Van Dyke en Tahití, al principio con la colaboración de Flaherty, que lo abandonó disconforme con la intervención de algunos actores profesionales. La película iba a resultar un producto de gran belleza, pero híbrido desde el punto de vista documentalista.

Lo mejor del ciclo documental exótico fue Tabú (1930)(con el sonido incorporado en el cine), la obra póstuma de Murnau. También esta película se inició con la colaboración de Flaherty, que no llegó a buen término por las diferencias entre su criterio documentalista y el subjetivismo creador de Murnau, tributario del pesimismo alemán. Aquí reaparece en imágenes de prodigiosa fuerza lírica su gran tema de la pareja enfrentada al Destino o a las fuerzas del Mal. La película trata sobre de una pareja que vive feliz en Bora-Bora, pero el gran sacerdote designa a la muchacha para ser consagrada a los dioses, por lo que los jóvenes enamorados se fugan a una isla lejana.

Los intereses de Flaherty eran demasiado especializados; amaba a los pueblos que, de una forma u otra, habían logrado no verse contaminados por la industrialización y la sociedad moderna. Se mantuvo alejado de la principal corriente del cine documental, que por lo general se ocupa de los complejos problemas de las sociedades «civilizadas» y artificiales y se enfrentó a críticas que le acusaban de exceso de romanticismo al mostrar la relación del hombre con la Naturaleza.