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El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de que sus posibilidades artísticas y comerciales fueran conocidas y exploradas. No se puede decir que el cine haya sido inventado por una sola persona, sino que fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.

Otro invento capital a parece en el siglo XIX: la fotografía. Por primera vez, era posible impresionar y guardar una imagen del mundo que no envuelve. Pero algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con objetos en movimiento. Es el caso de el fotógrafo anglo estadounidense Edward Muybridge, que en 1887, empleó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo.

Hacia 1889, los inventores estadounidenses Hannibal Goodwin y George Eastman desarrollaron más tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad (que necesitaban poco tiempo para impresionarse) montadas en un celuloide resistente: su innovación eliminó un obstáculo esencial en la experimentación con las imágenes en movimiento.

Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la fotografía más que en el de la cinematografía. Esto cambió cuando el antiguo inventor, y entonces ya industrial, Thomas Alva Edison construyó el Black Maria, un laboratorio cerca de West Orange(Nueva Jersey), que se convirtió en el lugar donde realizaba sus experimentos sobre imágenes en movimiento y el primer estudio de cine del mundo. Estaba construido de madera, pintando en negro en su exterior e interior, ofreciendo de esta manera un fondo que daba relieve al movimiento de los actores. Actores que en su mayoría eran gimnastas, acróbatas, bailarinas, boxeadores y contorsionistas, que se exhibían efectuando sus ejercicios. Edison es considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el kinetoscopio, pero en realidad ni fue él el inventor ni el invento era propiamente una cámara de cine. Su ayudante, William Dickson fue quien hizo en realidad casi todo el trabajo, diseñando el sistema de engranajes, todavía empleado en las cámaras actuales, que permite que la película corra dentro de la cámara. Edison y Dickson adaptaron el rollo de película (creado por Eastman en la factoría Kodak) haciendo una serie de perforaciones para que la cámara y el reproductor pudiesen arrastar la película. No obstante, el Kinetoscopio tuvo muchos problemas de arranque y arrastre de la película.

El kinetoscopio, patentado por Edison en 1891, tenía unos 15 metros de películas en un bucle interminable que el espectador individual tenía que ver a través de una pantalla de aumento. Era una máquina en la que se veían pequeñas peliculitas por una ranura, previo pago. Estas peliculitas recogían pequeños movimientos de aproximadamente treinta segundos de duración. Estas retrataban la temática popular: bailarines, animales, gente que se movía de un lado a otro, eran cosas muy simples, y no había intención de contar historias. Para los espectadores de la época estas películas en blanco y negro y sin sonido causaban mucha expectación y fascinación. El invento fue creado con una visión comercial.

LOS HERMANOS LUMIÈRE: LOUIS Y AUGUSTE

Para muchos historiadores son los auténticos creadores del cine. Esto se debe a que, al contrario que Edison, adoptan un sistema de proyección pública trabajando a partir del kinetoscopio de Edison. Los hermanos Lumière mejoraron un aspecto que fallaba en el invento de Edison: el arrastre.

El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière mostraron la primera proyección en sesión pública en el Salon Indien de París: La llegada de un tren a la estación . El público quedó maravillado ante el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla. A los espectadores de la proyección les sorprendió y les fascinó la gran expresión y el realismo del movimiento. El aparato con el que se consiguieron estos movimientos se llamó cinematógrafo.

Respecto al lenguaje cinematográfico, no hay un lenguaje elaborado, tal y como se entiende ahora. Era un modo de representación simple. Colocan la cámara y captan el movimiento sin más. Las películas de los Lumiére eran una especie de documentales de la época.

Lo que cabe destacar es la visión particular del cine de los Hnos. Lumiére, ya que para ellos el cine era una curiosidad científica y técnica; pero no les llamaba la atención el aspecto artístico, sus obras no tenían contenido ni contaban historias. Frente a la industrialización de Edison, ellos trabajaban de una forma doméstica, es decir, eran los productores, los directores, los cámaras y exhibidores. Los Hnos. Lumiére se dedicaron a publicitar su proyecto científico hasta convertirlo en un objeto popular. Sus películas mas famosas son: La llegada del tren a la estación, La salida de los obreros, El mar, Demolición de un muro, El herrero, etc. Otra película importante fue la primera que narra una historia: El jardinero regado, interpretado por un jardinero de los Lumière que se ponía perdido y producía el regocijo de los espectadores . Una de las características principales de éstas, es la falta de planificación de planos. Tras el éxito del cinematógrafo, los Hnos. contrataron a otros operadores, siendo los más importantes Promio y Mesguich. En 1895, distribuyeron por todo el mundo su invento con el fin de documentar diferentes paisajes, culturas, ciudades y pueblos. En 1896, un operador, rodó los canales de Venecia a bordo de una góndola y así nació el travelling.

El público cansado de ver películas que muestran sólo la vida cotidiana, comienza a demandar nuevos temas. Es en ese momento cuando los hermanos Lumière cesan la elaboración cinematográfica en 1900, aunque su fábrica seguirá creando películas.

El cine se convertirá en un espectáculo gracias a Méliès, director de teatro en París, que pretendía hacer obras de teatro con el realismo del cinematógrafo. Fue invitado a la primera exhibición de los Lumière en París y percibió las posibilidades de esta nueva técnica. Pensó en el cine como una fábrica de ilusiones y como arte comercial para ganar dinero más que en un simple reflejo de la vida cotidiana. Intentó comprarle el aparato a los Hnos. Lumière, pero estos rechazaron la oferta porque no creían en la comercialidad de su invento. En Inglaterra, compró una cámara llamada Bioscope a William Paul con el que inició inmediatamente proyecciones públicas en el teatro en el que trabajaba. Esta máquina aunque no era tan perfecta como el cinematógrafo, Méliès la fue perfeccionando.

Las primeras películas de Méliès eran documentales muy parecidos a las de los Lumière. Pero sólo era el principio, ya que la mente de este autor era la de un ilusionista con muchas ideas. Seguidamente comenzó a utilizar obras de teatro con actores, maquillaje, guión, escenografías, etc. Y, por pura casualidad, descubrió el primer trucaje de la historia del cine: el “paso de manivela”, que permite rodar a la cadencia de imagen por imagen, base del cine de animación y de los trucajes por sustitución. Así, fue el primero en explorar y utilizar efectos especiales o trucos con las imágenes, a través de sobreimpresiones y fundidos, que ya venían del mundo de la fotografía; pero que al utilizarlas con el movimiento, dejaba boquiabierto al público. Utiliza de esta forma efectos como desapariciones, cámara lenta, aceleraciones de la imagen, etc.

Hacia 1906 comienza su decadencia, ya que su industria artesanal comienza a competir con las grandes compañías cinematográficas. Con el tiempo, el público demandaba películas nuevas, ya que Méliès utilizaba siempre los mismos métodos. Entre 1911 y 1913 realizó sus últimas películas entre ellas la famosa La conquista del Polo . Finalmente abandona la producción cinematográfica, ya que estaba estancado y no sabía como hacerla mejorar. Su producción finalizó en 1919. Definitivamente arruinado y olvidado, abrió una tienda de juguetes y hacia 1928, los periodistas lo descubrieron, y lograron su reconocimiento como precursor y poeta.

En definitiva, George Méliès ha sido la primera persona que realizado películas cinematográficas con escenas artificialmente preparadas y, gracias a esto, consiguió darle a este nuevo arte un ámbito comercial convirtiéndolo en un espectáculo de masas.

Inglaterra no estuvo ausente en el esfuerzo colectivo que hizo nacer este arte. En 1894, Robert William Paul construyó una imitación del kinetoscopio de Edison, que no estaba patentado en este país. Siguió fabricando más aparatos, introduciendo modificaciones y perfeccionamientos. En 1897 fundó su propia empresa y nació el cine británico, y al que Méliés recurrió para comprar su primera aparato cinematográfico. Pero no acabó aquí la aportación británica.

A principios de los años 20, en el Reino Unido, se creó un movimiento que la historia ha dado en llamar la Escuela de Brighton, formando por una serie de fotógrafos que actuaron en dicha ciudad por motivos casuales. Les unía la utilización de la luz y el paisaje de la naturaleza, huyendo de los tristes decorados de cartón. Se caracterizaban por:

1. Tenían una intención narrativa. Sorprendieron por la utilización narrativa de ciertos recursos que dieron fuerza a la historia que contaban, en donde el punto de vista da mayor expresividad a los hechos que se narran.
2. Sus obras eran dinámicas.
3. Evolucionan el montaje cinematográfico a través de técnicas fotográficas: en la planificación, en las sobreimpresiones, etc. C omenzaron a mover la situación de la cámara originando lo que ahora son los principales elementos del montaje cinematográfico, como es la fragmentación de una escena en diferentes planos. (el primer plano, plano medio y plano general). Por lo tanto, evolucionan el lenguaje cinematográfico.

La Escuela de Brighton está encabezada por los siguientes fotógrafos cineastas:

Autor de origen escocés que trabajó en USA con Edison. Empezó trabajando como operador de noticias hasta que se propone contribuir en el cine. Tras estudiar las películas de Méliés y de la Escuela de Birhgton, hereda la puesta en escena del primero y el montaje como elemento narrativo del segundo, y decide realizar películas. En 1902, realiza Salvamento en un incendio , en la que recurrió a escenas documentales auténticas de trabajos del cuerpo de bomberos, tomadas en varias ciudades americanas, e introdujo un tema de ficción: una madre y su hijo en su hogar rodeado por las llamas. Con esto elaboró una narración a la que se ha considerado matriz inaugural del montaje alternado de dos acciones paralelas. Así, comienza a construir el lenguaje cinematográfico como lenguaje autónomo. Pero este lenguaje autónomo no lo crea él, sino que lo toma de la Escuela de Brighton. Una de sus principales aportaciones al lenguaje cinematográfico es el montaje paralelo, que lo trata especialmente en películas de persecuciones. Crea un género en el que las películas poseían un salvamento en el final de la historia.

Rodó el primer western de la historia: Asalto y robo a un tren, en 1903, donde perfeccionó su método de alternar planos mezclando tres historias a la vez. El final de la película es otro avance indiscutible: el primer plano del actor George Barnes, jefe de los bandidos, que apunta su revólver hacia el público, y dispara. Se anunció como la obra cumbre del arte cinematográfico, y no exageraba, ya que fue la primera película importante con argumento de ficción del cine americano. Tuvo un enorme éxito y produjo una gran cantidad de seguidores e imitadores. Desde esta película el avance del lenguaje cinematográfico fue imparable. Hizo evolucionar la comercialización cinematográfica, en el sentido de que las películas se renovaban habitualmente, incluso a diario, cuando estas ya no aportaban beneficio. Asalto y robo a un tren gracias a su éxito se mantuvo más tiempo de lo que era normal.

Llevó a la pantalla la forma novela La cabaña del tío Tom (1903), con una longitud extraordinaria para la época, más que ninguna otra cinta americana hasta entonces. Esta obra estaba realizada de acuerdo con el estilo teatral de Méliés. Pero ese no es su camino natural, que dotado de un vivo sentido realista se desenvuelve mejor en sus dramas sociales: The exconvict (1906) y The Kleptomaniac (1906). En 1907, conoce a Griffith, del que duda de tener talento como creador, le consideró buen actor y le ofreció un papel para su película El nido del águila (1907), en el que interpreta a un montañero que lucha ferozmente contra un águila. En 1909 deja a Edison y comienza a trabajar por su cuenta, creando su propia compañía, la Rex Films, y se une a la Famous Players. Para esta sociedad elabora Tess en el país de las tempestades (1914), historia de amor, injusticia y pobreza que ayudó a consolidar la fama y carrera de la actriz Mary Pickford; y Eternal City (1915), película espectacular y de temática religiosa realizada en la misma época que El nacimiento de una nación de Griffith.

David W Griffith, gran autor americano, que da un paso más allá que Porter y revolucionó la industria del cine. Es hijo de un coronel del sur durante la Guerra de Secesión, que tuvo una gran influencia en sus películas. Al cine se le han atribuido diversas paternidades desde muchos ángulos, y David W. Griffith es indudablemente uno de sus padres, aunque haya llegado tarde a su nacimiento físico.

Durante su juventud mantiene una estrecha relación con los ambientes literarios y un interés por el teatro. Durante unos años trabajó con diversas compañías teatrales, que le valió para acumular una valiosa experiencia. Su primer contacto con el cine se produjo en calidad de guionista cuando, en 1907, ofreció sin éxito a Porter un guión basado en el drama Tosca. Pero la entrevista le sirvió para que este director le contratase como actor para su película El nido del aguila. Volvió a ofrecer su adaptación de Tosca(que nunca llegará a adaptarla al cine) a la Biograph, que también la rechazó pero le contrataron de nuevo como actor. Un año después le aceptan en el puesto de director y guionista en la America Mutoscope & Biograph Co. A partir de este momento, su carrera en el cine se divide en tres etapas:

1ª ETAPA (1908 a 1914)
Hizo unas 500 películas para la Biograph de variedad asombrosa de temas. Durante esta etapa descubre grandes actores como Mary Pickford, Thomas Ince, Mabel Normand y Lillian Gish. Además de descubrir talentos, Griffith comenzó a descubrir pronto un nuevo lenguaje cinematográfico. En 1908 filma Las aventuras de Dorotea , en la que unos gitanos raptaban a una niña y la metían en un tonel que se desprende rodando hacia una cascada donde un pescador la rescataba. Pero lo importante no es su argumento, que es bastante simple, sino que Griffith utiliza por primera vez el flash-back (una escena que se inserta en la acción principal mostrando un acontecimiento pasado). El éxito que le proporciona esta película le permite rodar muchas más basadas en novelas de escritores con Jack London o Dickens, que permite conocerlas al gran público que no leían obras literarias. Pero una de sus facetas más interesantes es la capacidad que desarrolla este autor en lo que se refiere a las técnicas narrativas. Estudia los planos hasta conseguir efectos de gran dramatismo e introduce recursos que rompen la narración lineal, como, por ejemplo, en 1908, utiliza el primer plano dramático y el plano 3/4 en Después de muchos años. También rompe el tiempo cinematográfico que se utilizaba hasta ahora, diferenciándolo del tiempo real, que utiliza en El teléfono (1909). Con Griffith las acciones paralelas se incorporan al cine y supone el abandono definitivo de la linealidad teatral. Pero tanta innovación técnica comenzó a incomodar a la Biograph, sobre todo con la película Después de muchos años , donde quiso mostrar en montaje alternando al protagonista en una isla desierta y a continuación a su esposa en casa esperando su regreso.

En 1910, en la películas Ramona y La Batalla , utiliza planos generales en los que el espacio tiene una gran importancia. En 1912, Griffith se da cuenta de que con 15 minutos, que es lo que solía durar un rollo de película, no le bastaba para contar historias, por lo que comenzó a utilizar dos rollos para doblar el tiempo de proyección. A La matanza (1913) se le denomina la primera película espectacular de la historia del cine. En Judith de Betulia, de una hora de duración, estaba en contra de la productora que deseaba poco metraje para así no cansar al público. Además, la compañía le impedía muchas de las innovaciones que quería llevar a cabo con una libertad muy limitada en sus rodajes. Esto le llevó a abandonar Biograph, y trabajar durante los dos últimos años de esta etapa en la productora Mutual, donde siguió rodando películas con las mismas técnicas que utilizó hasta ese momento. Sus películas más destacadas de estos últimos años son La batalla de los sexos y Hogar dulce hogar. Lo que destaca de esta etapa es la revolución expresivo que introduce el autor.

2ª ETAPA (1914 a 1920)
Es la etapa más importante de su carrera cinematográfica, que destaca porque desarrolla sus tres principales películas y porque el lenguaje del cine evoluciona haciéndose cada vez más independiente del teatro. Uno de sus deseos más importantes durante ésta, es su intención de competir con el cine italiano, que se mostraría en sus películas a través de grandes escenografías y la utilización de miles de extras.

De manera independiente con sus propios recursos(llegando a invertir toda su fortuna personal) llega Nacimiento de una nación . Griffith tenía la intención de rodar un filme épico que tuviera como fondo el tema de la guerra civil americana en la que su padre fue coronel confederado. Es una película muy rica en lenguaje cinematográfico (juega con el aspecto visual, la iluminación, etc) y además es muy dinámica. Pero en cuanto el contenido del argumento es muy pobre. Trata sobre dos familias durante la Guerra de Secesión que se enfrentan ya que las dos poseen ideologías diferentes frente al esclavismo. Finalmente, un miembro de ambas familias se enamoran, mostrando como el amor triunfa sobre todos los odios. Es el primer largometraje de la historia, con tres horas de duración. Tuvo un gran éxito comercial, que produjeron dos consecuencias:

•  Por primera vez en la industria del cine, los bancos de Wall Street se dan cuenta de los grandes beneficios que pueden aportar la industria cinematográfica.

•  Griffith logra recaudar la cantidad suficiente como para crear su propia compañía productora junto a otros directores de la época ( Thomas H. Ince y Mack Sennett), que crearon la la Triangle Pictures Corporation.

Por otra parte, en este film, se narra con acento heroico el nacimiento y actuación de la organización Ku-Klux-Kloan, al acabar la guerra de Secesión. Los medios liberales e intelectuales del país la criticaron porque mostraba a los negros como villanos. Fue el primer escándalo de la historia del cine, al producirse manifestaciones en Nueva York y Chicago.

En 1915, se unieron Griffith, Thomas H Ince y Mack Sennet para formar la Triangle Pictures. Los tres mayores creadores del cine americano formaron así los vértices de un triángulo que, hasta su liquidación en 1918, estuvo a la vanguardia de la producción norteamericana, produciendo obras de un interés histórico capital.

Continuaría con su segunda gran superproducción Intolerancia (1916) para la Triangle . Con un coste de dos millones de dólares, es la película más compleja y ambiciosa de Griffith, cuyo rodaje representó un esfuerzo gigantesco. El director hizo todo: dirigió a las muchedumbres y a los actores, supervisó las escenografías, los vestidos, la fotografía, la música, la edición y finalmente escribió un guión que sobre todo, era un esquema y en parte fue improvisado sobre el terreno. El motivo para filmarla se debe a los problemas que le ocasionó con la crítica y el público "progresista" de algunas secuencias racistas de El nacimiento de una Nación . Trata de la lucha contra la intolerancia a través de los tiempos y como triunfa el amor frente a esta. Está dividida en cuatro episodios, siendo tres históricos (Babilonia, la pasión de Cristo y la Noche de San Bartolomé) y uno contemporáneo de la época llamado La madre y la ley (narra la muerte de unos obreros a manos de fuerzas policiales) . En lo que atañe al episodio de Babilonia, éste ha pasado a los anales de la historia del cine por la grandeza de sus decorados y por los 15 mil figurantes y 250 carros de guerra que intervinieron. El decorado más espectacular de la película es también el de Babilonia: una gran estructura de madera simulaba las grandes murallas, así como el enorme patio que acoge la secuencia del banquete de Baltasar donde intervinieron 4 mil figurantes. El palacio babilonio estaba rodeado de torres de 70 m. de altura y hacía 1600 m. de profundidad. Para los otros episodios, se reconstruyó el París del siglo XVI y la Jerusalén de tiempos de Cristo. Globalmente, se usaron 60 mil figurantes, obreros, actores, ebanistas, técnicos, etc., durante los 22 meses y 12 días de la producción. Llegaron a rodarse setenta y seis horas de película, montando con este material una copia de ocho horas de duración, pero que finalmente redujo a tres horas cuarenta minutos. Una de sus características más importantes es el desarrollo y el avance de la expresión cinematográfica. Su montaje destaca por la utilización del montaje paralelo con las cuatro historias, dando saltos muy grandes en el tiempo, para reforzar su paralelismo simbólico. Se la considera una obra brillante, pero fue un gran fracaso en el público. Fracaso que se debe a los saltos temporales, que fue percibida por el público como un caos narrativo; a la sobreactuada actuación y la poca personalidad de los personajes; y a la simpleza de los conflictos. En Europa no fue bien recibida, ya que su tema era pacifista en un momento en el que el viejo continente atravesaba un gran conflicto, aunque inspiró a otros futuros cineastas, sobre todo rusos, como Einsenstein, y además conmovió a Lenin. Más tarde, se hizo un montaje en el que se proyectaba cada episodio por separado, pero el fracaso económico fue tan grande que la productora se disolvió. Triangle desapareció debido al gran gasto de Griffith para realizar.

Al desaparecer la Triangle, Griffith se asoció con Mary Pickford y Charles Chaplin para fundar la productora United Artists. El director continuó como realizador, pero ninguna de sus obras posteriores tuvo la resonancia de las anteriores. Su tercera gran producción Los lirios rotos o también llamada La culpa ajena (1919), es una obra sencilla, con una duración mucho más reducida, con pocos personajes y escenarios simples, aunque continua experimentado con la iluminación. También contiene un argumento muy simple: c uenta la historia de un amor puro que nace entre un joven chino y la maltratada hija de un racista y borracho boxeador. Pero e ste simple argumento dio pie a una de las historias de amor con mayor sensibilidad y delicadeza que puedan recordarse en el cine. Con esta película rompe con la tradición teatral en la actuación. Un detalle a destacar es la conexión entre los personajes y los decorados. Con esta película y A través de la tormenta (1920), Griffith cerraría esta etapa de innovación para dar paso a una tercera etapa de decadencia en la que el cine sonoro haría que el director abandonase el séptimo arte.

3ª ETAPA (1920-1931)
En esta última etapa hace películas que le da beneficios para vivir y continuar elaborando más rodajes. Vuelve a rodar películas muy simples, más comerciales con el único objetivo de ganar dinero, como Las dos tormentas (1920), Las dos huerfanitas (1922), y La melodía del amor (1929). Trabaja en las compañías First National, United Artist y Paramount. Antes de finalizar su carrera cinematográfica dirigió dos películas sonoras Abraham Lincoln de 1930 (con la cual ganó un Oscar el mismo año) y La lucha en 1931, que tuvieron una aceptación mediocre. La llegada del cine sonoro acabó con la facilidad creativa de Griffith quien no supo evolucionar, y ya había puesto al servicio del cine todo lo que tenía: su talento y su inspiración. El fin de su época gloriosa había llegado. Hoy en día todos reconocen la importancia de una figura que sentó las bases de un arte que acababa de nacer. Sin embargo, en 1948, y como muchos otros genios, murió olvidado en su villa de Hollywood.