Historia del Cine
Géneros de los Años 30

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En esta década, además de las grandes productoras destaca también la política de los géneros. Se consolida el sistema de producción cinematográfico basado en la clasificación de las películas según el género del que trate. Funcionar mediante géneros era mucho más barato ya que los decorados, vestuarios, etc, servían para varias películas. El género creaba interés en el público. Los géneros principales son:

La comedia americana fue uno de los géneros triunfantes del cine sonoro de Hollywood mientras los grandes cómicos del cine mudo abandonaban la pantalla(Semen, B. Keaton, Harold Lloyd) o transformaban su estilo(como ocurrió con Chaplin). El cine sonoro lleva a la decadencia el estilo visual del cine cómico mudo, e introduce una nueva comicidad adaptada al sonido. Destacamos algunos cómicos de esta época:

Stan Laurel y Oliver Hardy. Llamados el gordo y el flaco. Laurel, debutó en el cine en 1917. Trabajó sobre todo como director y sus películas se caracterizaban tanto por sus cualidades rítmicas como por la agudeza de sus gags. De forma accidental conoció a Hardy. Tras un intervalo, se dedicaron a crear los trazos de sus personajes y la naturaleza de sus relaciones mutuas. A finales de los años veinte, y una vez definido su estilo de humor, Laurel y Hardy, rodaron toda una espléndida serie de cortometrajes, en los que desencadenaban verdaderas avalanchas destructivas. Mezclan el aspecto visual con el diálogo, se basan en situaciones reales de aquella época y en el juego de palabras. Es un tipo de cine con un ritmo muy lento. Aunque hasta 1935 no cesaron de rodar cortometrajes, consiguieron superar sin problemas el paso del mudo al sonoro. A pesar de que en sus primeros largometrajes aflojaban su comicidad, a finales de los años treinta, parecieron volver al buen camino con películas como Laurel y Hardy van al Oeste (1936) y Marineros de agua dulce (1938).

Los Hermanos Marx: el hueco de los cómicos mudos será llenado por la feroz y disparatada comicidad, rayana con el surrealismo, de los hermanos Chico, Harpo y Groucho Marx, que llegan al cine en 1929 procedentes del Music-Hall. Recogen el ritmo visual y sonoro de Mark Sennett. Son películas con diálogos anárquicos, sin sentido, que buscan la comicidad de lo ilógico. La película de humor negro El conflicto de los Marx (1930), no tuvo mucho éxito, pero les abrió las puertas para realizar más películas. Su obra maestra es Sopa de ganso (1933), una comedia absolutamente enloquecida, donde Groucho gobierna un país imaginario llamado Libertonia y en la que la sátira sociopolítica alcanza extremos impensables. Una noche en la ópera (1935), mítica comedia de los Hermanos Marx, entorpecida por excesivos números musicales; que, sin embargo, contiene una de las escenas más famosas del trío: la del camarote repleto de todo tipo de personas. Un día en las carreras (1936), contiene una de las más enloquecidas apariciones de los Hermanos Marx, con momentos tan delirantes como el reconocimiento médico que los protagonistas efectúan a la actriz Margaret Dumont, o la conversación telefónica de Groucho. Los hermanos Marx en el oeste (1940) destaca por tener unas de las más delirantes escenas de los Marx para poner en marcha a un tren. Una noche en Casablanca (1946), parodia de Casablanca y que cuenta con una de las escenas más famosas del trío en la que Harpo sujeta una pared para que esta no se derrumbe.

James Whale. Trabaja para la Universal. Realiza una libre adaptación de la novela de Mary W Shelley Frankestein, el autor del monstruo (1931), que debía protagonizar Bela Lugosi, pero que, descontento con el aparatoso maquillaje que le haría irreconocible, fue interpretado por Boris Karloff, que inició una carrera como especialista en personajes monstruosos o perversos. También adaptó la novela de H G Wells El hombre invisible (1933), con efectos sorprendentes en aquellos años. A Whale le gustaba adaptar obras de terror, por lo que realiza El caserón de las sombras (1932), en la que el actor Charles Laughton es presa de Karloff y dos viejas locas. Vuelve a recurrir al personaje de Mary Shelley en La novia de Frankestein (1935), en la que la ternura, el horror, y el humor se mezclan, conformando una de las obras maestras de la historia del cine.

Tod Browning. Fue ayudante de Griffith en Intolerancia. Fue el autor que más brilló en el escaparate de monstruos, vampiros, zombis y momias resucitadas. Se le denominó como el “Allan Poe del cine”. Dirigió para la Universal Drácula (1931), adaptación de la novela de Bram Stoker, protagonizada por Bela Lugosi(que a partir de entonces se encasilló en el personaje). En la Metro dirige la alucinante Parada de los monstruos (1932), en la que seres deformes (hombres-tronco, mujer barbuda, hermanas siamesas, liliputienses) se exhiben de forma monstruosa. Pasión, crueldad, ternura, y ciertas dosis de humor negro se entremezclan y conforman esta película. Destaca también Muñecos Infernales (1936).

La comedia musical es la principal novedad que ha aportado el sonoro y aunque las alas de su imaginación son cortas, pues siempre se veían las mismas peripecias del grupo de jóvenes emprendedores que tratan de estrenar su espectáculo en Broadway. Inicialmente las películas musicales de los años 30 surgen muy dotadas de realismo. Uno de los grandes del género fue el coreógrafo Busby Berkeley. Colaborará con directores de musicales en dos tipos de películas:

- Películas de principio de la década, lleva acabo sus propias coreografías como en: La calle 42 (1933) de Lloyd Bacon; Desfile de Candilejas (1933), Música y mujeres (1934).

- Es el responsable de toda la película, no solo de números musicales, sino también de su producción. Vampiresas (1935), Hollywood Hotel (1937), El jardín de la Luna (1936).

Los musicales suelen tener muchos elementos de fantasía, mágicos, elementos recargados. Suele ser barroco, con elementos de abstracción, gran cantidad de bailarines, etc. Berkelev utiliza elementos muy variados; Traveling, encuadres desde arriba, ópticas con efectos cálidos, tópicos, decorados enormes, espejos, etc.

La RKO poseía como pareja musical al virtuoso del claqué Fred Astaire y a Ginger Roger, que como responsables de las coreografías dejaban un sello muy personal. La Alegre divorciada (1934), Sombrero de Copa (1935), Ritmo loco (1937) y Amanda, la paciente peligrosa (1938). Normalmente las películas musicales están mezcladas con la comedia de enredo y las actuaciones musicales, y en algunas ocasiones su narrativa es dramática. Cuando esta pareja aparece en los musicales se crea el concepto de irrealidad, ya que las escenas musicales no están justificadas con la trama de las películas.

La pareja musical que aumentará la importancia del cine musical, por parte de la Metro, es la formada por Jeannette McDonald y Nelson Eddy. A partir de aquí aparecerían los musicales cantados. Muchas de estas películas están basadas en obras de Broadway, por lo que obras de éxito en el teatro se hacen aún más populares en el cine, como María la traviesa (1935) y Primavera (1937). El baile de claqué también siguió siendo popular, en el que destaca Eleanor Powell en Melodías de Broadway (1936) y Nacida para la danza (1936).

La Paramount también se lanza al cine musical con la figura de Bing Crosby, que realizaba musicales cantados. Mae West trabajó también para esta productora; es la mujer fatal de la época, cuyas películas no se pueden considerar musicales. Un director significativo fue el versátil R. Mamoulian, director que se especializó en musicales con sentido dramático como El alegre bandolero (1936) y La furia del oro negro (1937), en la que destacan sobre todo las actuaciones de sus actores.

El nacimiento del cine sonoro americano coincidió con el crack económico de 1929, que irradió la más grave y repentina depresión económica que registra la historia del mundo. Sin embargo, la industria cinematográfica sería de unas pocas del país que ascendió en estos años de crisis. Se produjo un movimiento intelectual que tomó el camino de la narrativa social, poniendo el dedo en las llagas que más escuecen de la sociedad.

Era lógico que en el cine se produjese un movimiento paralelo. Con la llegada a la presidencia de Roosevelt en 1932, se inaugura una radicalización del cine de Hollywood que parece alcanzar una edad adulta con el examen crítico de los grandes problemas que ensombrecen al país: los grandes monopolios, el paro obrero, la administración de la justicia, la corrupción política, etc. Estos testimonios se revelan en: Sin novedad en el frente (1930) de Milestone; Soy un fugitivo (1932) de Mervin Le Roy; Tiempos modernos (1936) de Chaplin; Furia (1936) de Fritz Lang; Black Legión (1937) de Archie Mayo, que atacaba al Ku-Klux-Klan; Callejón sin salida (1937) de William Wyler, en el que el autor exponía su infancia miserable en la ciudad de Nueva York; Las uvas de la ira (1940), en el que John Ford denuncia la grave situación de los campesinos.

Pero este realismo social se refleja sobre todo en dos géneros cinematográficos: el cine de gángsters y el cine documental. El primero es uno de los géneros mayores y más originales del cine americano de los treinta. La película que llevó al género a su culminación fue Scarface (1932) de Howard Hawks, que narra la biografía del gángster Al Capone. Esta película fue anunciada como “el film de gángsters que acababa con todos los films de gángsters”. Sin embargo, no fue así y surgió una avalancha de películas del género como 20.000 años en Sing-sing(1933) de Michael Curtiz o El bosque petrificado (1936) de Archie Mayo, en la que impone la fascinante personalidad de Humphrey Bogart, en el papel del gángster Duke Mantee, quien perderá su vida por esperar a la mujer que ama.

Al margen de la industria de Hollywood en EEUU, las realidades sociales se verán mejor retratadas a través del cine documental. En EEUU hay una serie de directores que van a plasmar la dureza social en películas documentales. A este grupo de directores se les va a llamar la Escuela de New York. Un grupo contemporáneo de autores paralela a la creación de la Escuela Documentalista Inglesa. El documental de los años 30 nace gracias a la influencia de un ambiente progresista, que se denomino época Rooselvelt, y que terminaría con la llegada de la paranoia anticomunista. Los autores de esta época trabajaban en productoras importantes, pero se creó una independiente: la Frontiere Film de Paul Strand. Algunos de los autores que trabajaron en esta productora fueron:

- Pare Lorentz, abordó con valentía los problemas agrarios del valle de Mississippi en The River (1938).

- Paul Strand y Leo Hurwitz denunciaron la intolerancia racial y social de su país(México) en Native Land (1940).

- La Guerra de España se convirtió en un tema candente que apasiona a la opinión pública y atrae a operadores de todas las latitudes. Uno de los más importantes fue Herat of Spain(1938) de Herbert Kline o Leo Kurwitz y Paul Strand

Estos autores hacían un estilo de documental muy frío y rudo. Describen de manera descarnada problemas sociales variados. Sin embargo, la crisis del cine social americano en los años cincuenta produce el desmantelamiento de esta Escuela Documentalista de Nueva York. Algunos de sus componentes incluso tuvieron que huir del país perseguidos por la “caza de brujas”.