Historia del Cine
Autores que emigran a los EE UU

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El apogeo comercial de Hollywood le ha convertido en un crisol en donde se funden emigrantes llegados los cuatro puntos cardinales. Otro factor de este movimiento fueron los factores ideológicos, por lo que estos autores no tuvieron otra alternativa que el exilio. La industria cinematográfica norteamericana se fortalecía cada vez más hasta convertirse en la más importante de todo el mundo.

Nace en Londres en 1898 en el seno de una humilde familia de actores judíos. Su infancia fue trágica, repleta de dolorosos recuerdos que luego tomarán cuerpo en sus cintas, y en especial en su primer largometraje: El chico (1921). Comenzó su carrera de actor en 1907, cuando fue contratado por un director de una importante compañía teatral. En esta comenzará una nueva etapa económica y su perfeccionamiento artístico. Las giras de la compañía le llevaron a los EEUU y en uno de estos viajes, en 1913, fue descubierto por Mack Sennet y contratado para la productora Keystone. Su contrato le requería hacer una película de unos quince minutos cada semana. Pero las treinta y cinco películas que interpretó Chaplin para la Keystone no desarrollaron al máximo sus posibilidades, sino que se limitaron al humor que Mack Sennet le exigía. Las diferencias enfrentaron en más de una ocasión a ambos artistas, pero a partir de Charlot Camarero (1914) y Charlot Periodista (1914), Sennet otorga cierta autonomía al actor, permitiéndole actuar también como director.

Concluido el contrato con la Keystone, le contrata la productora Essanay en 1915 para realizar catorce películas de dos rollos. En este período es cuando empieza a cimentar su fama, con el sobrenombre de Charlot, un personaje ingenuo, que cree en la bondad humana a pesar de su rechazo por parte de la sociedad. Intenta imitar la vida de los burgueses, pero en realidad es un perdedor. En El vagabundo (1915) muestra al Charlot pícaro ingenuo que sobrevive al hambre y que transmite lastima a través de su rostro de perdedor. La película más ambiciosa en Essanay fue Carmen (1916), en la que Chaplin parodia las lujosas películas de Hollywood.

Al finalizar la etapa Essanay, Chaplin ya es una estrella altamente cotizada en el mercado cinematográfico. La etapa creadora de la Mutual y de la First National(1918-22) marcaron la consagración artística de Chaplin y se convierte en el primer mito universal creado por el nuevo arte. La trascendencia del vagabundo romántico de sombrero hongo y grandes zapatos radica en la incorporación de cálida dimensión humana al mundo de los muñecos creados por Sennett. En sus películas muestra su visión de la sociedad, por eso son siempre son polémicas, acusadoras: el policía enemigo y perseguidor de Charlot en El evadido (1917); el funcionario que, a la vista de la estatua de la Libertad, coloca una cadena en torno a los inmigrantes en El emigrante (1917); la absurda crueldad de la guerra y la sinrazón del heroísmo en Armas al hombro (1918); la hipocresía religiosa en El peregrino (1922)... En toda su obra afloran las miserias y los males del mundo utilizando el humor como arma corrosiva. El paso a los largometrajes se produjo en la First National, en la que realiza películas más elaboradas como Vida de perro (1918), El chico (1921) o El Peregrino (1922).

Chaplin es un buen conocedor de los resortes psicológicos de la risa. Según afirma Chaplin: “el hecho sobre el que me apoyo es el de poner al público frente a alguien que se encuentra en una situación ridícula o difícil. [...] Una de las verdades más rápidamente apreciadas es la de que el pueblo, en general, se divierte al ver que las personas ricas se llevan la peor parte. Esto es porque la novena parte de la humanidad es pobre.”

En 1922, funda junto a Mary Pickford y David W Griffith la United Artists. En su película Una mujer de París (1923), deja de lado el humor y que por primera vez no interpreta. Narra la dramática historia de una pareja separada, que, un año después, a pesar de seguir amándose es imposible una nueva unión. Fue considerada la primera película psicológica de la historia. Además, fue recibida fríamente por la ausencia del popular Charlot, pero su importancia irá creciendo con los años.

Tras este experimento, vuelve a interpretar su famoso personaje en La quimera del oro (1925). Aquí asistimos a algunos de los más geniales momentos interpretativos del vagabundo. Pocas veces el cine ha logrado una fusión tan perfecta entre lo tragicómico y la poesía como en esta epopeya burlesca de la fiebre del oro. Durante el rodaje de La quimera del oro la vida privada de Chaplin pasaba por una etapa bastante negra, cuyos incidentes hicieron que el rodaje de su siguiente película, El circo (1927), fuese muy lento y explican en parte la frialdad con la que se la recibió, ya que las situaciones están impregnadas de una amargura no ajena a los problemas de su vida privada.

Chaplin aborreció la llegada del cine sonoro, o por lo menos del sonido de su comienzo. El mismo declaró que jamás haría una película sonora y que, si la hacía, interpretaría en ella el papel de un sordomudo. En 1931, en sus Luces de la ciudad, muestra su repudio al cine sonoro que le llevó a utilizar únicamente una banda musical, pero incluyó una burlona parodia del cine hablado con un ininteligible discurso.

Su espíritu polémico tuvo ocasión, en Tiempos modernos (1936), en el que hizo un balance pesimista de la barbarie del supercapitalismo y de la deshumanizada ultratecnificación industrial. esta película cerró el ciclo de Chaplin y fue también la última obra protagonizada por el vagabundo Charlot. La aceptación plena de sus posibilidades llegaron con El gran dictador (1940), sátira feroz contra las dictadura nazi y fascista que Chaplin realiza a pesar de las amenazas de la embajada alemana en Washington. Realizaos una creación magistral en dos papeles distintos: el del dictador Hynkel(caricatura de Hitler) y el de un barbero judío perseguido.

Acusado de filocomunista, como tantos otros personajes de Hollywood, Chaplin será perseguido por la caza de brujas del senador McCarthy. En 1952, Chaplin abandona definitivamente los EEUU y realiza en interpreta en Inglaterra Candilejas(1952) y Un rey en Nueva York(1957). Esta última es una despiadada disección de la sociedad norteamericana, en la que Chaplin interpreta al rey Shadov exiliado de su país por haber intentado la locura de utilizar la energía atómica con fines pacíficos.

ERICH VON STROHEIM

Uno de los grandes titanes del cine mudo cuyos orígenes son muy oscuros. El autor creía que procedía de alta nobleza austriaca y que había emigrado a los EEUU por un asunto de honor, recientes investigaciones confirman que nació en Viena, hijo de un comerciante judío. Lo que fue seguro es que marchó en 1909 a los EEUU trabajando en todo tipo de oficios que le empujaron de un extremo a otro del país. Esto le permitió profundizar en el conocimiento de la naturaleza humana que aparecerá en su obra cinematográfica. Llegó a Hollywood como extra en 1914 y llegó a actuar para David W Griffith en El nacimiento de una Nación y, como ayudante de dirección y actor, en Intolerancia.

Comenzó a destacar en Hollywood como actor interpretando papeles de personajes crueles por la dureza de sus rasgos físicos. Pero sus aspiraciones apuntaban mucho más alto y convención a Laemmle para dirigir la película Corazón olvidado (1918), cuyo tema principal es el adulterio, que obtuvo muy buenas recaudaciones. Pero fue sometida a varios cortes por el productor Irvin Thalberg y que Stroheim tuvo que aceptar a regañadientes. En la plenitud de su prestigio, abordó El carrusel de la vida, que transcurría en la Viena anterior a 1914, en la que muestra ambientes sórdidos y decadentes. Sin embargo, Irvin Thalberg volvió a entrometerse: interrumpió el rodaje, despidió a Stroheim e hizo que la película fuese terminada por otro autor.

Pero a pesar de su mala fama, la Metro decidió contratarlo para adaptar al cine la novela Avaricia en 1923. Narra la historia de un joven minero que se instala como dentista en San Francisco donde se enamora de la novia de su amigo Marcus. Los dos se casan, por lo que su amigo, como venganza, le denuncia por no tener el título de dentista. La relación entre la nueva pareja no acaban bien y él la acaba matando y fugándose. Marcus parte en su busca, le halla en pleno desierto y se esposa a él. El protagonista asesina a su amigo, quedando unido a su cadáver. La película fue rodada en escenarios naturales, en la que se mezcla la psicología de los personajes. A pesar de poseer un ritmo irregular, la película está considerada como una gran obra maestra, aunque fue un fracaso comercial.

Sin embargo, la carrera de Stroheim estaba destinada a tropezar sistemáticamente con la incomprensión de los productores, los censores y los críticos. En 1925, aceptó llevar a la pantalla una versión de La viuda alegre . Durante su rodaje, Stroheim estuvo a punto de ser sustituido, pero finalmente pudo acabar la película. Fue un éxito de taquilla y permitió a Stroheim realizar La marcha nupcial (1927), otra obra maestra que debía durar tres horas, pero que tuvo también tropiezos con la producción, quedando amputada de su segunda parte, Luna de miel, que montó Josef von Stenberg. Tampoco pudo concluir la superproducción La reina Kelly (1928), interpretada por una de las grandes estrellas del cine mudo, Gloria Swanson. La película fue rodada, pero no se terminó el montaje completo, debido a la llegada del cine sonoro el mismo año.

Con Stroheim culmina y se destruye la estética del cine mudo. Stroheim se caracteriza por su arrolladora pasión naturalista, que le llevaba a acumular detalles y más detalles en los decorados y en la caracterización de los personajes y convertía su escenografías en cuadros barrocos que se aproximaban al expresionismo.

JOSEF VON STERNBERG

El austriaco Josef von Sternberg llegó al cine con una película experimental: The salvation hunters (1925). Esta aventura artística de naturaleza sórdida que narra la historia de una prostituta y su amante fue defendida por Chaplin, que le impulsó a su carrera comercial en Hollywood. Su primera campada la dio con Ley del hampa (1927), cuyo éxito inauguró en el cine americano el gran capítulo del cine de gángsters. En esta película aparece dominada por una visión heroica del personaje del gángster, exaltación romántica de la rebeldía del individuo contra la sociedad que le oprime. Sternberg muestra su perspectiva sobre el turbio medio social y los caracteres que componen los bajos fondos. Su densidad dramática derivó también de su construcción en largas escenas, según las leyes del cine sonoro, a pesar de ser una cinta muda. El gran éxito de La ley del hampa inauguró uno de los géneros mayores del cine americano, que alcanzará su plenitud en los años del sonoro.

El autor avanzó por este sendero de violencia desatada con La redada (1928), que ahora muestra el heroico policía que lucha contra los gángsters; Los muelles de Nueva York (1928), en donde fiel a su estética personal como es la utilización dramática de la iluminación, Sternberg reconstruyó en los estudios parte de los mulles de NY con sus barrios y bares; y Thunderbolt (1929), su primera cinta sonora que iniciaba el ciclo de los gángsters de derrota, destinados a concluir sus días en la silla eléctrica.

La revolución del cine sonoro benefició a Alemania, en primer lugar porque disponía de patentes nacionales y segundo porque reabsorbió una buena parte del censo artístico alemán emigrado a Hollywood. Uno de estos autores fue Sternberg que deslumbró con la sensacional El ángel azul (1930). Fue la primera película importante del cine sonoro alemán y una de las más decisivas aportaciones a la nueva estética del cine audiovisual. Desde el día de su estreno se convirtió en un clásico del cine sonoro. Sternberg comenzará a utilizar a la actriz Marlene Dietrich en sus películas, como Fatalidad (1931) y El expreso de Shangai (1932). Sternberg hizo evolucionar a la actriz en un universo barroco y con su excepcional sabiduría fotográfica. El ciclo Sternberg-Dietrich concluyó con La venus rubia (1932), Capricho imperial (1934) y Capricho español (1935), en la que ofrece una imagen ridícula de la guardia civil que llevó a la retirada de circulación de la película.

ERNST LUBITSCH

Comenzó trabajando en Alemania en 1915 como intérprete y realizador dirigiendo varias comedias. Condujo una ofensiva industrial, de grandes escenografías y enormes presupuestos, dio positivos frutos y Lubitsch, favorecido por sus pinchazos políticos (que se muestran sobre todo en su divertida sátira antiamericana La princesa de 1919), se convirtió en uno de los puntales del cine alemán, y, por consiguiente, contratado en los EEUU por la Paramount para dedicarse a dirigir comedias como su sátira antisoviética Ninotchka (1939) y la antinazi Ser o no ser (1942).

A parte de su sátiras políticas, Lubitsch se convertirá en el mayor especialista en comedias mundanas, que se ambienta en la alta sociedad. Gracias a él, La Paramount se especializará en los años 30 en una productora de películas sofisticadas, lujosas y dirigidas a la alta sociedad, que se llegarán a denominar películas al “toque Lubitsch”. Fue el creador de la comedia ligera americana de enredos. Durante el período mudo realizó películas como Los peligros del flirt (1924), La frivolidad de una dama (1924) o Divorciémonos (1925).

F. W. MURNAU

La Fox se sintió orgullosa de haber conseguido atraer a F W Murnau, gran maestro del cine alemán y le dio carta blanca para el rodaje de Amanecer (1927) con guión de Carl Mayer. Esta obra es una curiosa composición artística entre el expresionismo y simbolismo del cine alemán y el realismo americano, con su exigencia comercial de “final feliz”.

Con tres Oscar conseguidos por Amanecer, Murnau defraudó con sus dos siguientes películas: Los cuatros diablos (1928) y El pan nuestro de cada día (1929). Pero volvió a encontrar su inspiración en los mares polinesios, de donde regresó con su obra maestra Tabú y con una maldición pagana sobre su cabeza que, según dicen, le segó la vida a poco de concluir la película.

PAUL LENI

Pintor y escenógrafo en Alemania. Trabaja a finales de los años veinte para la Universal. Este autor se especializó en cine de terror. Transmitió el simbolismo y el expresionismo en los EEUU. Creará para la Universal, a partir de El legado Tenebroso (1927), la Mistery Comedy de gusto expresionista y con pinceladas de humor. Todas sus películas en los EEUU destacan por sus aspectos sombríos y mezcla de terror con humor negro. En 1928 realiza El hombre que ríe y El teatro Siniestro en 1929.

ALEXANDER KORDA

Cineasta y productor británico de origen húngaro. Después de realizar estudios de periodismo en París, el mayor de los tres hermanos Korda comienza la que será una de las prestigiosas carreras del cine inglés, en Budapest, como traductor de rótulos, montador, y más tarde, realizador. Desde sus primeras películas, aparece como uno de los mejores cineastas-productores de su país. De 1914 a 1919, realiza 25 películas mudas en Hungría; de ellas El hombre de oro (1918) está considerada como la más importante de esta época. Hostigado por la policía del dictador húngaro, Korda emigra a Austria, Alemania y a Hollywood. En esta última tuvo mucho éxito La vida privada de Helena de Troya (1927), una película muy comercial que abre un ciclo en el cine sobre personajes históricos llamada “La vida privada de...”. No se tratan de películas espectaculares, con grandes escenografías, sino que retrata historias sobre personajes históricos desde un punto de vista comercial.

En 1931 fue enviado a Inglaterra por la Paramount y allí funda la London Films Productions. La vida privada de Enrique VIII (1933), cuyo protagonista fue interpretado por el sensacional Charles Laughton, constituye un acontecimiento decisivo en la historia del cine británico, tanto por la acogida crítica que encuentra como por su extraordinario éxito comercial. Tras el rodaje de La última aventura de Don Juan (1934), Korda hace construir los estudios de Denham, en mayo de 1936, poseyendo así los equipos más modernos de Europa. Propone al sufrido pueblo británico de los años 40 un fantástico viaje a Oriente en El ladrón de Bagdad(1940), superproducción en Technicolor.

PAUL FEJOS

Al darse cuenta de las escasas posibilidades del Séptimo Arte en una Hungría independiente pero débil, Fejos marcha a Nueva York en 1923. Realizó The last moment(1927), película experimental que el público americano recibió muy mal este ensayo psicoanalítico y vanguardista. Sin embargo, Chaplin lo defendió públicamente y Fejos pudo rodar para la Universal Soledad (1928), la mejor pieza de su irregular carrera. Esta sencilla historia de dos seres que se encuentran y se gustan, es una obra fresca y extraordinariamente espontánea, que sorprende también por su penetrante observación de las costumbres de los habitantes de una gran ciudad americana.

VICTOR SJÖSTRÖM

Fue el gran maestro del cine sueco, junto a Stiller, a pesar su pesadez y puritanismo. Con La carreta fantasma (1926), donde narra un enfrentamiento entre un borracho y el cochero de la Muerte, que viene a buscar su alma durante la Nochevieja, evidencia que el cine teológico y metafísico del celebrado Ingmar Bergman( Séptimo Sello ) no hace más que desarrollar una temática y un estilo que elaboran con suma perfección.

Los autores suecos no se adaptarán muy bien al cine norteamericano. Stiller por su parte no pudo dirigir ninguna de las películas de su estrella Greta Garbo. A Sjöström tampoco le irá muy bien. Aportó técnicas vanguardistas europeas. Destaca El viento(1928), con Lillian Gish. En 1930, no se adapta al cine sonoro, para el que realiza tres películas y se retira de la dirección para dedicarse a su carrera como actor.

JACQUES FEYDER

Había dado sus primeros pasos en el cine como actor, tomó la senda naturalista después del gran éxito comercial de su película La Atlántida (1921). Marchó a Hollywood en 1929, justo con la llegada de la revolución del cine sonoro. Fue contratado por la Goldwyn. Allí dirigió a Greta Garbo en El beso (1929) y en Ana Chritie (1930). Después volvió a Francia, donde preludia el renacimiento del cine francés con La kermesse heroica (1935) y lleva el cine sonoro al país donde no tenían patentes y se encontraba en crisis. En El signo de la muerte (1933) utiliza el “realismo negro” de Renoir.